ON MEMORY

Interview

Dana Mueller — Wed, 21 Jan 2009 17:16:48 +0000

MARGRET HOPPE

Margret, vielen Dank, dass Du Dich bereit erklärt hasst, ein Interview mit on memory zu halten. Deine Fotografien von der Serie ‘Verschwundene Bilder’ beschäftigen sich mit der Vergangenheit der DDR und den kulturellen Verlust der damit zusammenhängt. Wie bist Du auf dieses Projekt, dass zeitgenoessisch sehr relevant ist, gestossen und wie war die Reaktion des Publikums im ehemaligen Osten und generell in Deutschland?

Ich bin in der ehemaligen DDR geboren. Zur Zeit der politischen Wende 1989 war ich 8 Jahre alt – ich erlebte sie daher als Kind und hatte für die politischen und gesellschaftlichen Dimensionen dieses Ereignisses ein kindliches Bewusstsein. Mir war wohl klar, dass ich nun endlich T-Shirts mit amerikanischer Flagge in der Schule tragen durfte, aber nicht, welcher Schnitt sich in den Biografien, in den Alltag der Menschen und der ganzen Gesellschaft daraus ergibt.

Das wurde mir erst als heranwachsender Mensch bewusst, in dem Moment als ich wahrnahm, wie viel von der Kultur des Landes, in dem ich geboren wurde und meine Kindheit erlebte, verschollen war. Da ich Kunst studiert habe und mich hauptsächlich mit Fotografie beschäftigte, nahm ich besonders die Abwesenheit, das Verdrängen der Kunst aus dem alten System wahr. Die Bilder von Künstlern wie Werner Tübke, Bernhard Heisig, Willi Sitte, Wolfgang Peuker und vielen anderen, waren in öffentlichen Gebäuden zu sehen und somit Bestandteil meines alltäglichen Umfelds. Als ich sah, das diese Bilder zunehmend verschwanden, begann ich, dieses Verschwinden mit Hilfe der Fotografie aufzunehmen. Das ist natürlich ein Wettlauf gegen die Zeit – meine Bilder zeigen nur die Leere, höchstens Spuren von den Bildern die zerstört, abgenommen oder übermalt wurden, denn ich bin sozusagen zu spät gekommen, um die Bilder an ihrem Platz zu fotografieren.

Werner Tübke, Fünf Kontinente, 1959, Öl auf Holz, 5 Diptychen jeweils 245×245 cm, Interhotel Astoria, Leipzig, Interhotel Astoria, Leipzig, 2006

© Margret Hoppe

Die Reaktion auf meine Arbeit ist sehr unterschiedlich. Viele Menschen haben mit der DDR abgeschlossen und wollen die Geschichte der DDR und auch der Wendezeit nicht an sich ran lassen. Daher sind sie von meinen Bildern auch nicht immer begeistert. Obwohl man die Bilder der Künstler der ehemaligen DDR auf meinen Fotografien ja nicht sieht – aber sie fragen sich, warum ich mich mit so einem Thema beschäftige.

Andere wiederum sind begeistert, erinnern sich selbst vielleicht an die Bilder, die sie längst vergessen hatten. In Westdeutschland bekam ich sehr viele positive Kritik zu meiner Arbeit. Das ist ein Thema, dass vielen auch gar nicht so bewusst ist. Daher waren die Besucher der Ausstellung in Hamburg beispielsweise sehr interessiert, fragten viel zur Geschichte der Bilder und der Künstler.

Im November 2008 werde ich die Bilder in Bulgarien, in Sofia zeigen. Ich bin sehr gespannt auf die Reaktionen dort. In Bulgarien ist man sehr langsam mit der Aufarbeitung der Geschichte. Erinnerungsarbeit ist dort nicht so ein Thema wie in Deutschland. Ich habe in Bulgarien im letzten Jahr verfallende Denkmale und Wandgemälde fotografiert (also auch Auftragsarbeiten des Bulgarischen Staates zu Zeiten des Kommunismus). Bei der Recherchen zur Arbeit stieß ich bei den Einheimischen auf sehr viel Unverständnis.

Sto Toborov, Einheit des Kampfes für nationale und soziale Freiheit, 1975, Metall, Beton, Busludscha Gipfel, Balkangebierge, Busludscha Gipfel, Balkangebierge, 2007

© Margret Hoppe

Es ist sehr interessant, dass Dir bei Deinem Besuch in Bulgarien sehr viel Unverstaendnis entgegen kam. Kannst Du das etwas mehr beschreiben. Warum denkst Du waren die Menschen dort so irritiert? Ausserdem bist Du gerade von einem Trip nach Kuba zurück gekommen. Hast Du dort ebenfalls versucht die Spuren der kommunistischen Architektur, Skulptur, der visuellen Kunst der Castro Zeit zu dokumentieren? Und wie war diese Erfahrung?

Deine Arbeiten sind Teil der Erinnerungsarbeit in Deutschland. Was sind Deine Gedanken ueber Erinnerung, Erinnerungsarbeit generell und spezifisch?

In Bulgarien ist das Thema Erinnerungsarbeit kein großes Sujet in der Kunst. Die Menschen sind einfach mit existenzielleren Fragen beschäftigt – wie bezahle ich meine Miete, wie kann ich die steigenden Lebensmittelpreise aufbringen, wie werde ich im Alter versorgt. Ausserdem sind ein Großteil der Altkommunisten immer noch in politischen Positionen (wenn man mehr dazu erfahren möchte, kann man den Autor Ilya Trojanov lesen). Das ist nicht unbedingt förderlich für eine demokratische Entwicklung. Die politische Wende 1989 ist dort ganz anders verlaufen – wir in Ostdeutschland hatten den Westdeutschen Nachbarn. Bulgarien hatte das nicht. Es geht also mehr um das jetzt und die Leute wollen in die Zukunft schauen – sie wollen Veränderungen. Dort geht alles sehr sehr langsam. Im Gegensatz zu uns, wo es meistens zu schnell geht. Deshalb machen wir ja Erinnerungsarbeit.

Nikolai Smirgela, Johann, 1970, Granit, Depot des Vereins Bildernder Künstler, Sofia, 2007

© Margret Hoppe

Erinnerungsarbeit ist wichtig. Für mich sind Geschichte und Erinnerungen eine Hilfe für das Jetzt und die Zukunft. Ich denke, dass sich die Geschichte wiederholt – natürlich nicht identisch – aber in einem gewissen Rahmen. Siehe die Wirtschaftskrise – es war klar, dass es nicht mehr so weiter geht. Damit meine ich natürlich auch den Kunstmarkt und die entfremdeten Preise – der eigentliche Wert eines Kunstwerks und der Marktwert waren in unbegreiflichen Dimensionen voneinander entfernt. Das sind natürlich auch Dinge, die in Bulgarien oder auch Kuba keine Rolle spielen – obwohl Bulgarien das indirekt sicher auch treffen wird. Die Kubanische Regierung wird sich jetzt über Amerika ins Fäustchen lachen.

Aber zurück zur Erinnerung – es ist wichtig, bewusst zu leben. Und dazu gehört eben auch die Aufarbeitung der Vergangenheit. Damit kann man die Zukunft verändern. Und wenn die Zeit langsamer vergeht, wie in Kuba oder auch Bulgarien, dann lebt man mehr im Jetzt und hastet nicht durch den Raum, wie wir Deutschen das so gerne tun.

Kannst Du bitte etwas über Deine Erfahrungen an der École Nationale Supérieure des Beaux-Arts in Paris sprechen. Dort studiertest Du mit Jean-Marc Bustamante und Christian Boltanski. Wie hat das Deine Arbeiten spezifisch beeinflußt?

Christian Boltanski hat mich vor allem durch seine Arbeit und Auseinandersetzung mit Erinnerung und Geschichte sehr beeinflusst. Er nutzt seine Vergangenheit, um eine künstlerische Arbeit entstehen zu lassen. Obwohl er sich auch bewusst ist, dass man die Geschichte nie ganz erfassen kann, man kann sie eigentlich nur auf seine Art und Weise verarbeiten und im gewissen Sinne auch nur neu Erfinden. Der Unterschied ist vielleicht der Wahrheitsgehalt, der bei mir noch eine größere Rolle spielt. Boltanski ist ein Künstler, der mit Fotografien, gefundenen Fotografien arbeitet. Ich fotografiere selbst, mit analoger Kamera, und bediene mich auch eines dokumentarischen Stils. Meine Bilder sind nicht digital bearbeitet und von mir gemacht. Boltanski konstruiert alles neu mit den gefundenen Bildern-er macht ebenfalls Installationen-das Ergebnis meiner Arbeit sind Fotografien-Bilder an der Wand, die auf einen bestimmten Ort und eine bestimmte Geschichte verweisen.

Le Registres du Grand-Hornu, 1997

© Christian Boltanski

Jean -Marc Bustamante hat mich eher formal beeinflusst. Seine Art Bilder zu sehen und auf die Materie und die Komposition zu schauen, empfand ich als bereichernd. Obwohl ich sagen muss, dass mir Boltanski immer näher stand und ich mich seine Arbeit auch mehr berührt.

L.P. II, 2000

© Jean-Marc Bustamante

Vielen Dank für das Interview, Margret.

Für weitere Information über Margret Hoppe und ihre Fotografien besuchen Sie bitte www.margrethoppe.com.

Ein Film über Margret Hoppe’s Arbeiten ist hier zu sehen:

Deutschen Welle ι Kultur.21 ι Deutsche Bilder

Folge 3: Ende der Utopie: Margret Hoppe’s Fotoseries: “Die verschwundenen Bilder”

Specimens of War

Dana Mueller — Thu, 18 Sep 2008 16:56:13 +0000

BINH DANH

Danh utilizes found photographs relating to the Vietnam war. He digitally turns the photographs into negatives. He places the negatives onto living leaves between two glass plates and exposes the leave with sunlight for several days, sometimes for weeks and months. The natural process of photosynthesis creates positive imagery onto the organic material. The process clearly references the beginnings of photographic experimentation while at the same time referring to the re-use of visual evidence in order to evoke, morph and even create memory. While evoking memory, Danh feels at times that he fabricates new memories about the war and the people, a fact he attributes to his experience of fleeing the Vietnam war as young child with his parents in the late 1970s.

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Driftin Souls, 2000

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Detail

Drifting Souls, 2000

Binh Danh was too young to remember the war or to understand the circumstances unfolding around him when he was a child living in Vietnam. Thus, his experience of history is intuitive, he has no individual memory of the war yet he senses that the events are part of his cultural DNA, which have shaped him and his work. “For me it becomes almost a religion, it’s almost my own religious practice when I make my own artwork, because I am coming up with my own concept of what is life, what is death, what is consciousness and what is history.” (Binh Danh, interview “New Memories of an Old War,” Spark, KQED/PBS, May 31, 2006)

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Left:

Found Portrait: Man 29, 2006

Right:

Ancestral Altar #11, 2006

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Left:

Combust, 2005

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Found Portraits #7, 2006

Danh was born in Vietnam in 1977. He and his parents immigrated to the United States in 1979. Danh received his BFA in Photography from the San Jose State University and his MFA from Stanford University.

His work has been exhibited at the Haines Gallery, San Francisco, CA, Light Work Gallery, Syracuse, NY, Colorado State University Gallery , and University of Hawaii Art Gallery, among others.

Binh Danh’s photographs are collected by the Corcoran Gallery of Art, Washington, D.C., the Museum of Contemporary Photography, Columbia College, Chicago, IL, the Oakland Museum of California, the Rochester Memorial Art Gallery, Rochester, NY and the University of California Santa Cruz Special Collection.

He is represented by Lisa Sette Gallery and Haines Gallery, San Francisco, CA.

CIRCULAR RIVER

Dana Mueller — Wed, 17 Sep 2008 21:02:43 +0000

SELESNICK & KAHN

social justice & other works

Dana Mueller — Thu, 11 Sep 2008 20:42:23 +0000

2 exhibitions by Luba Lukova

Curated by Andrew Mroczek

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The Art Institute of Boston

at Lesley University

September 4 to October 18, 2008

New York based, Bulgarian born, Luba Lukova has developed an extraordinary oeuvre which is characteristic of her use of succinct economic lines, text and color to visually engage the viewer to raise awareness on issues such as human rights, social, economic and global justice.

Her second lifelong passion has been the creation of theatre posters, which she started when studying at the University of Sofia in Bulgaria. During that time she worked with and was inspired by directors, actors and stage designers which deeply influenced her work. Her employment of symbols and visual metaphors have become conceptual as well as stylistic tools which successfully distinguish her work. There is clarity, wit and sincerity in her ability to translate complex ideas into visual language.

Lukova was influenced by art in general, she states, and one can clearly see references to German Expressionism, Matisse, and Eastern European poster design. The art of poster design has been a long tradition in Eastern Europe-the desire to merge artistic sensibility with the objectives of design inspired a tremendously creative pool of talent in countries like the Czech Republic, Poland, the former Soviet Union, Hungary and Bulgaria. It is exciting to see that the tradition lives on with Lukova.

ARTHUR SZYK

Dana Mueller — Wed, 10 Sep 2008 17:03:24 +0000

BILDER GEGEN NATIONALSOZIALISMUS UND TERROR

IMAGES AGAINST NATIONAL SOCIALISM AND TERROR

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Deutsches Historisches Museum Berlin

August 29 to January 4, 2009

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Arthur Szyk’s work is known for its witty political illustrations, caricatures and cartoons during the first half of the 20th Century. His work was influenced by the medieval miniaturists and the illuminated manuscripts. His most well known publication, the Szyk Haggadah, one of the most beautiful illustrated books of the 20th Century, is a compelling example of Szyk’s theme to portray contemporary political issues in the neo-medieval style which would distinguish his work from his contemporaries.

Wagner, 1942

Illustration by Arthur Szykat the Deutsche Historische Museum in Berlin

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Arthur Szyk was born in Poland in 1894 to Jewish parents who soon discovered his talents of ’sketching,’ for which he was once expelled from school because of his anti-Czarist drawings. Szyk studied art at the Academie Julian in Paris, France in 1909, later in Krakow in 1913 and lastly in Palestine in 1914. He was drafted by the Russian Army to serve in World War I but later fought as a guerilla during the Polish-Bolshevik War against the Russians in 1921, where he assisted in saving Jews from Soviet attacks.

One of his first published illustration Rewolucja w Niemczech (Revolution in Germany), a satire of post-WW I Germany in 1919 gained him considerable attention, which sparked an extraordinary career in countries like France, Morocco, England and eventually in the U.S. Szyk left Europe and settled in Canaan, Connecticut in 1940.

In 1941, he published The New Order, one of the first books assembling an array of anti-fascist caricatures in America. Eleanor Roosevelt named him the “one-man-army.” His work was exhibited at Messers. Wildenstein & Co, the Philadelphia Art Alliance, the Brooklyn Museum, the Palace of the Legion of Honor in San Francisco, and the White House among others in the 1940s.

Anti-Christ, 1942

Illustration by Arthur Szyk at the Deutsche Historische Museum in Berlin

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In 1951, Arthur Szyk, then a US citizen, was investigated by the House on Un-American Activities (HUAC) in public and private hearings which focused on ‘real and suspect communists in positions of actual or supposed influence in American society.’ Szyk would not survive to see a resolve of his investigation and died of a heart attack in the same year.

Books

The Szyk Haggadah

Justice Illuminated: The Art of Arthur Szyk A Study Guide by Byron L. Sherwin. Burlingame, CA: The Arthur Szyk Society, 2002

INVASION 68 PRAGUE

Dana Mueller — Tue, 02 Sep 2008 23:57:12 +0000

JOSEF KOUDELKA

APERTURE GALLERY & PACE/ MAC GILL GALLERY

Exhibition on View—Pace/MacGill Gallery: Thursday, September 4–Saturday, October 11 Exhibition on View—Aperture Gallery: Friday, September 5–Thursday, October 30

Press Release

In 1968 Josef Koudelka was thirty years old. He had committed himself to photography as a full-time career only recently, and had been chronicling the theater, and the lives of gypsies, but he had never photographed a news event. That all changed on the night of August 21, when Warsaw Pact tanks invaded the city of Prague, ending the short-lived political freedom in Czechoslovakia that came to be known as the Prague Spring. In the midst of the turmoil of the Soviet-led invasion, Koudelka took to the streets to document this critical moment

INVASION 68 PRAGUE
Photographs by Josef Koudelka

HAUNTED Jane Tuckermann

Dana Mueller — Wed, 20 Aug 2008 18:42:46 +0000

NEW BEDFORD ART MUSEUM

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Jane Tuckerman’s exceptional relationship with the medium of photography has resulted in a stunning array of imagery.

Exploring the ritualistic, transformative, and magical aspects of various cultures, her work is both tranquil and unsettling. Though incredibly candid and humane, her art’s undeniable strength is that it seeks to include the viewer in an open dialogue with both the artist and subject. She compels us to not only look, but to see in unexpected ways. While grounded in photography, Tuckerman often pushes her poignant exploration into the realms of painting, collage and sculpture.

This exhibition will offer an in depth and unique look at one of the SouthCoast’s most engaging artists.

~ John Borowicz, Guest Curator

Milagro, 2007

Jane Tuckermann

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REVIEW New Bedford Standard Times

AFTER NATURE

Dana Mueller — Mon, 18 Aug 2008 21:00:14 +0000

New Museum

New York

July 17 to September 21, 2008

[New Museum Press Release]

“After Nature” surveys a landscape of wilderness and ruins, darkened by uncertain catastrophe. It is a story of abandonment, regression, and rapture—an epic of humanity and nature coming apart under the pressure of obscure forces and not-so-distant environmental disasters. Bringing together an international and multigenerational group of artists, filmmakers, writers, and outsiders, the exhibition depicts a universe in which humankind is being eclipsed and new ecological systems struggle to find a precarious balance.

Werner Herzog, still from Lessons of Darkness, 1992
16 mm film, sound, color, 52 min
Courtesy Werner Herzog Film GmbH, Munich

The artists in “After Nature” share an interest in archaic traditions and a fascination for personal cosmologies and visionary languages. It is a peculiar form of magic realism that emerges from the works on view, coupled with a renewed belief in art as a tool for myth-making.

Maurizio Cattelan, Untitled, 2007
Taxidermied horse skin, fiberglass resin
Courtesy Marian Goodman Gallery, New York

Departing from the fictional documentaries of filmmaker Werner Herzog, “After Nature” assembles a collection of prophetic images and outlandish forms—a cabinet of curiosities that pieces together a fragmented and unreliable encyclopedia. In his 1999 manifesto, Herzog described a truth liberated from fact: a poetic, ecstatic truth that “is mysterious and elusive, and can be reached only through fabrication and imagination.” The works in “After Nature” aspire to such: folding fact into fiction, the exhibition brings together artworks that can be interpreted as relics, idols, and documents. Temporally detached from any point of orientation, the exhibition emerges as a study of the present from a place in the future. A requiem for a vanishing planet, “After Nature” is a feverish examination of an extinct world that strangely resembles our own.

The exhibition includes work by Allora and Calzadilla, Paweł Althamer, Micol Assaël, Fikret Atay, Roger Ballen, Huma Bhabha, Maurizio Cattelan, William Christenberry, Roberto Cuoghi, Bill Daniel, Berlinde De Bruyckere, Nathalie Djurberg, Reverend Howard Finster, Nancy Graves, Werner Herzog, Robert Kusmirowski, Zoe Leonard, Klara Liden, Erik van Lieshout, Diego Perrone, Thomas Schütte, Dana Schutz, Tino Sehgal, August Strindberg, Eugene Von Bruenchenhein, and Artur Żmijewski.

Organized by Massimiliano Gioni, Director of Special Exhibitions, the show spans three floors and includes over ninety works.

Feeling Blue/ New Yorker Review

By Peter Schjeldahl

Insisting on the realities of life and (chiefly) death: Pawel Althamer’s “Skin” (1997) and

“Self Portrait (Mask)” (2008). New Yorker

Palestinian Walks: Forays Into a Vanishing Landscape

Dana Mueller — Fri, 15 Aug 2008 14:24:37 +0000

Roaming Freely in a Land of Restraints

By Abby Aquirre NEW YORK TIMES

Rina Castelnuovo for The New York Times

Raja Shehadeh, left, with a Palestinian farmer on a hillside overlooking Ramallah, West Bank.

BOOK & INTERVIEW

Palestinian Walks: Forays Into a Vanishing Landscape

By Palestinian writer Raja Shehadeh

Face to Face with Nothing

Dana Mueller — Wed, 13 Aug 2008 17:08:48 +0000

LIDA ABDUL

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For the past few years, Abdul has been working in different parts of Afghanistan on projects exploring the relationship between architecture and identity.

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Lida Abdul in front of her short film In Transit which discusses war and recovery in Afghanistan.

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Brick Sellers of Kabul, 2006

16mm film transfer

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Tree, 2005

16mm film transfer

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What We Saw Upon Awakening, 2006

16mm film transfer

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In Transit, 2006

16mm film transfer

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Born in Kabul, Afghanistan in 1973, Abdul lived in Germany and India as a refugee after she was forced to leave Afghanistan after the former-Soviet invasion. Her work fuses the tropes of ‘Western” formalism with the numerous aesthetic traditions–Islamic, Buddhist, Hindu, pagan and nomadic–that collectively influenced Afghan art and culture. She has produced work in many media including video, film, photography, installation and live performance. Her most recent work has been featured at the Venice Biennale 2005, Istanbul Modern, Kunsthalle Vienna, Museum of Modern Art Arnhem, Netherlands and Miami Central, CAC Centre d’Art Contemporain de Bretigny, and Frac Lorraine Metz, France. She has also exhibited in festivals in Mexico, Spain, Germany, Uzbekistan, Kyrgyzstan and Afghanistan; She was also a featured artist at the Central Asian Biennial 2004.

DIE ZEIT on Lida Abdul

Knietief in den Trümmern des Kriegs

Von Werner Bloch